Gran Taller presencial de pintura surrealista Barcelona Impartido por David Ánima - Dartearte.webs La mayoría de los lugares donde se puede citar al surrealismo, aparecen estos dos nombres: André Bretón, y Salvador Dalí. Paradójicamente Dalí fue expulsado del movimiento surrealista por su fundador André Bretón, aunque ellos le pusieron un nombre, ya había sido explorado por otros artistas más antiguos como el Bosco. Planteamos el surrealismo como la creación de una imagen que no está sujeta a las leyes físicas de los objetos que nos rodean. No obstante en esta técnica evolucionamos también en la comprensión y el comportamiento del color y la luz en los objetos. Descubrimos la obra de una forma creíble y con un recorrido. En el arte surrealista, la abstracción, ocurre en el diseño del escenario completo. Primer ejercicio: Aprender a mentir al cuadro El observador mira la escena, una regla básica es que todas las líneas se dirigen a su horizonte. Las formas deben respetar la característica interna de cada obra. Establecer un gran contraste entre lo lejano y lo cercano nos ayuda a conseguir un gran efecto de perspectiva. Podemos realizar un ejercicio de acercamiento pintando nuestra escena visual y modificando algunas cosas a nuestro gusto, como por ejemplo la gravedad, la forma y el color. De esta forma, que no obedece completamente a las leyes del escenario, se nos abre una puerta de posibilidades que exploran el talento de cada artista en particular, haciendo que cada alumno desarrolle una visión única de su estilo, y siente las bases de investigación para sus futuros proyectos del campo surrealista. Cabe decir que este movimiento todavía no ha explorado su mayor parte. Estudiamos la pintura como una ciencia en general, y desarrollamos los estilos puros encontrados, nos basamos simplemente en la observación de la pintura creada hasta el momento por los maestros de todas las épocas y tratamos de unir todos nuestros conocimientos técnicos, a nuestros conocimientos creativos. Conseguimos la imagen de un nuevo mundo. Comenzar a través de una figura en tensión: Nos da la posibilidad que empezar a tener un tipo de perspectiva desde el comienzo. Descubrimos la obra a medida que la experimentamos, dejando un espacio para la libertad del artista. Se reconoce mucho más una obra que intenta un escenario muy complejo, y muy ambicioso en la creación de su perspectiva, por lo cual seremos exigentes en cuanto a la elección del tipo de escenario. También hago una diferencia entre dos tipos de surrealismo, uno del tipo difundido por Miró, que en muchos ejemplos no tiene horizonte físico y no obedece a ningún tipo de mandato de la forma sobre el artista. O bien el arte de Dalí o El Bosco, que combina la abstracción, que como bien hemos dicho antes más en el diseño en General y utiliza conocimientos figurativos y el respeto de la luz para lograr sus fines. Estas 4 normas te ayudarán a comprender mejor la distribución de la luz y la perspectiva. 1- A mayor profundidad, mayor sombra. (Esto quiere decir que nuestro infinito es negro) 2- Si existe la luz, existe el color. 3- No nos interesa la forma de los objetos, sino sus sombras son las que van a hacer que el objeto o emerja. Por lo que el color tampoco es importante pero sí su tono. 4- Mayor cercanía, mayor tamaño. Por lo General siempre empezamos a pintar nuestra parte más lejana, y añadimos capas que avanzan hacia nosotros. Para muchos artistas del tipo no figurativo, uno de los mayores retos es el comenzar la obra que supone el inicio de la toma de decisiones que van a hacer que la obra empiece a realizarse, y a tomar carácter propio. Por ejemplo si decidiésemos dejar el lienzo en blanco y dar la obra por terminada, estaremos haciendo un lienzo de tipo conceptual, más bien no un estudio de la pintura en sí como ciencia. Por eso es importante diferenciar lo que vamos a trabajar nosotros, ya que tan sólo no vamos a estudiar una idea única emergente dentro de cada artista, sino que también vamos a servirnos de una técnica muy depurada. Para poder manejar el color a nuestro antojo y poder conseguir los mejores efectos, mi experiencia me ha dicho que lo mejor es trabajar con óleo, por los siguientes motivos: Posee mayor concentración de color que ningún otro pigmento. Se puede modelar su textura con brillo o transparencia. Podemos acelerar su secado. Es más duradero en el tiempo, una de las cosas que tenemos que tener en cuenta, es que nuestras obras sean lo más longevas posibles, por eso también es importante trabajar con los materiales más nobles posibles. Nuestro óleo va ser caracterizado con estos tres diluyentes: aceite de lino, esencia de trementina y secativo de cobalto, en diferentes proporciones nos dará unas u otras propiedades. Particularmente suelo utilizar una mezcla 70% 25% 5% en el orden descrito. Eso me proporciona buen brillo y una trasparecía perfecta para trabajar con capas anteriores, en caso de disponer de mucho tiempo para el secado, es mejor no utilizar el secativo de cobalto. Todas las capas que vamos a colocar deben ser finas, el volumen no nos interesa para trabajar cómodamente. Nos aseguraremos siempre que nuestro color es el deseado, y que avanzamos también en un contraste más o menos agresivo,”pero con conocimiento de causa”. Servirte del circulo cromático, una de las estrategias es evolucionar tu color hacía el complementario, azules las zonas frías, y hacia el calor con el rojo, eso te proporciona una riqueza de matices y te ayuda a componer la obra. Cuando hablo de componer me refiero por ejemplo y lo comparo con la composición en la música. Recordemos que las posibilidades que nosotros tenemos al empezar el cuadro son infinitas, pero cuando hemos empezado, desde la primera hasta la última pincelada deben estar conectadas. Para componer contrastes en la forma es muy simple,” también buscamos el opuesto. Pero esto es una ciencia más variable que la teoría del color. Asimismo un círculo tiene contraste con una raya, o también una espiral con un cuadrado, por poner algunos ejemplos. Y esta investigación realmente no acaba nunca por eso que la pintura tiene este carácter tan especial, que siempre permite al artista seguir investigando. Con esto quiero alentar a los asistentes a este curso, y retarlos a encontrar ese estilo que todavía nadie ha visto, cabe decir que pienso que la mayoría de los descubrimientos en este campo todavía están vacantes. He tratado de resumir lo máximo posible todo lo que sabía sobre este tema y cual eran las bases para empezar a desarrollarlo y proporcionar una guía de exploración continua.
Posted on: Wed, 07 Aug 2013 01:08:45 +0000
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